Outsider Art oder Art Brut vereint Werke, die außerhalb des künstlerischen Systems geschaffen wurden und oft von Menschen in psychiatrischen Anstalten wie Adolf Wölfli oder Martín Ramírez stammen. Registerstudien belegen nicht, dass Schizophrenie die Kreativität steigert; Sie stellen fest, dass es bei nicht betroffenen Verwandten erhöht ist. Psychose ist keine Quelle der Kunst: Sie ist eine Krankheit.
Vorherige Ankündigung
In diesem Text geht es um schwere psychische Erkrankungen, psychiatrische Einrichtungen und schwierige Leben. Es handelt sich nicht um einen medizinischen Rat und es wird keine Diagnose gestellt, ob lebend oder tot. Schizophrenie ist eine schwerwiegende und behandelbare Erkrankung, und wenn man die Behandlung selbst abbricht, führt dies am schnellsten zu einem Rückfall.
Ich schreibe es, weil Outsider-Kunst einen seltsamen Platz in unserer Vorstellung einnimmt: Wir bewundern sie und nutzen sie gleichzeitig als Beweis dafür, dass Wahnsinn etwas schafft. Er verdient eine sorgfältigere Lektüre als dieser Slogan.
Wenn Sie beim Lesen zu irgendeinem Zeitpunkt ein Unbehagen bemerken, das Sie beunruhigt, verlassen Sie den Artikel und sprechen Sie mit einem Fachmann. Hilfe ist verfügbar und es funktioniert.
Wie alles begann: Morgenthaler, Prinzhorn und eine Sammlung in Heidelberg
1921 veröffentlichte der Psychiater Walter Morgenthaler Ein Geisteskranker als Künstler „Ein psychisch kranker Mensch als Künstler“, ein Aufsatz, der ganz Adolf Wölfli gewidmet ist, einem Patienten der Klinik Waldau bei Bern. Es war eine radikale Idee: die Arbeit eines Häftlings ernst zu nehmen, nicht als Symptom, sondern als Arbeit.
Ein Jahr später, 1922, veröffentlichte Hans Prinzhorn Bildnerei der Geisteskranken, eine Studie über Tausende von Zeichnungen, Gemälden und Skulpturen, die in deutschsprachigen psychiatrischen Krankenhäusern gesammelt wurden. Prinzhorn war Psychiater und Kunsthistoriker, und sein Buch schlug keine klinischen Interpretationen vor, sondern vielmehr das Schauen. Die von ihm zusammengestellte Sammlung, die heute in Heidelberg aufbewahrt wird, ist bis heute das Gründungsarchiv dieses Territoriums.
Prinzhorns Buch gelangte in die Hände von Max Ernst, Paul Klee und den Surrealisten. Die europäische Avantgarde, die seit zwei Jahrzehnten nach einem Ausweg aus der akademischen Tradition suchte, fand in diesen Bildern den Beweis dafür, dass es eine andere Sichtweise gab. Und 1945 prägte Jean Dubuffet den Begriff Art Brut: rohe Kunst, ungekocht von der Kultur.
Hier ist es praktisch, beim Unbehagen innezuhalten. Die Geschichte dieser Sammlung ist auch die Geschichte einer Nutzung. Die Insassen wollten nicht die Vorhut sein. Viele wussten nie, dass ihre Zeichnungen in einem Buch waren. Und einige der Künstler der Prinzhorn-Sammlung wurden im Rahmen des Nazi-Regimes zur Vernichtung psychisch kranker Menschen ermordet, dessen Propaganda genau diese Werke zur Verspottung moderner Kunst nutzte.
Vier Werke und vier Leben
Adolf Wölfli (1864-1930). Waise, Tagelöhner, wegen Kindesmissbrauchs verurteilt, 1895 in die Waldau-Klinik eingeliefert, wo bei ihm Schizophrenie diagnostiziert wurde und wo er die restlichen 35 Jahre seines Lebens verbrachte. Dort produzierte er rund 25.000 Seiten: eine imaginäre Autobiografie, in der er sich selbst als Heiliger Adolf II. umschrieb, mit Karten, Partituren, Collagen und sehr dichter Schrift. Seine Arbeiten befinden sich heute im Museum, das seinen Namen trägt. Seine Biografie ist nicht die eines missverstandenen Genies: Es ist die eines Mannes, der Schaden angerichtet hat, der krank wurde und der innerhalb der Gefangenschaft ein Universum aufgebaut hat.
Aloïse Corbaz (1886-1964). Schweizer Gouvernante, 1918 mit der Diagnose Schizophrenie ins Krankenhaus eingeliefert. Fünfundvierzig Jahre lang zeichnete er mit Buntstiften, Blumensäften und Zahnpasta auf alles, was er fand. Frauen mit blauen Augen ohne Pupillen, Opern, kaiserliche Liebhaber.
Martín Ramírez (1895-1963). Er wanderte 1925 von Jalisco nach Kalifornien aus, wurde mittellos, wurde in eine Anstalt eingewiesen und verbrachte mehr als dreißig Jahre in kalifornischen psychiatrischen Krankenhäusern mit der Diagnose Schizophrenie. Er zeichnete Reiter, Tunnel, Züge und Madonnen auf mit Kartoffelpüree und Speichel zusammengeklebten Papieren. Heute gilt er als einer der großen amerikanischen Cartoonisten des 20. Jahrhunderts.
Henry Darger (1892-1973). Krankenhausträger in Chicago. Als er starb, wurde in seinem Zimmer ein illustrierter Roman mit mehr als fünfzehntausend Seiten entdeckt. Im Reich des Unwirklichen. Hier müssen wir präzise sein: Es gibt keine dokumentierte Diagnose einer Schizophrenie bei Darger. Als Kind wurde er in einer Einrichtung für Kinder mit geistiger Behinderung untergebracht, und alles, was danach über seine Psyche gesagt wird, ist rückblickende Spekulation. Dass sein Fall in diesem Zusammenhang immer zitiert wird, sagt mehr über unser Bedürfnis nach Geschichte als über ihn aus.
Was die Beweise über Schizophrenie und Kreativität sagen
Der populäre Mythos besagt, dass Psychosen die Ketten des Denkens lockern und die Vorstellungskraft befreien. Die verfügbaren Daten bestätigen dies nicht.
Schwedische Registerstudien von Kyaga und Kollegen, die die Diagnosen von mehr als einer Million Menschen mit ihren Berufen verglichen, ergaben, dass Menschen mit Schizophrenie no waren in den kreativen Berufen generell überrepräsentiert. Die einzige Ausnahme bildete die Kategorie Künstler. Überrepräsentiert waren hingegen Verwandte ersten Grades ohne Diagnose: gesunde Geschwister und Eltern von Menschen mit Schizophrenie.
Dieses Muster wiederholt sich bei der bipolaren Störung und legt ein anderes Modell des Mythos nahe. In manchen Familien scheint nicht die Krankheit übertragen zu werden, sondern Merkmale – Offenheit, lockeres assoziatives Denken, was die Psychologie Schizotypie nennt –, die in ihrer moderaten Form die Kreativität begünstigen können und in ihrer extremen Form eine Pathologie darstellen. Krankheit ist nicht die hohe Dosis an Talent. Das passiert, wenn das System kaputt geht.
Und es muss gesagt werden, was Schizophrenie tatsächlich bewirkt: Negativsymptome – Apathie, Sprach- und Affektverarmung, Avolition – kognitive Beeinträchtigung, Desorganisation des Denkens. Nichts davon hilft, ein Werk zu machen. Wölfli produzierte 25.000 Seiten trotz ihrer Krankheit, in einer 35-jährigen Gefangenschaft, in der sie nichts anderes zu tun hatte, kein Dank an sie.
Was lehrt uns Art Brut wirklich?
Ich würde drei Dinge sagen, und keines davon hat mit Wahnsinn zu tun.
Dass der Drang, etwas zu tun, kein Publikum braucht. Keiner dieser Künstler arbeitete für eine Galerie. Darger versteckte fünfzehntausend Seiten und zeigte sie niemandem. Ramírez zeichnete einen Pavillon. Das ist der klarste Beweis, den es gibt, dass Schaffen keine Erkennungsstrategie ist: Es ist etwas, was Menschen tun, wenn sie uns lange genug in Ruhe lassen. Julia Cameron baut ihre gesamte Methode auf dieser Prämisse auf: Morgenseiten werden niemandem beigebracht, niemals.
Diese formale Technik ist entbehrlich, Strenge jedoch nicht. Wölfli hat keine Schule besucht und dennoch verfügt sein Werk über ein System, eine kohärente visuelle Grammatik, die über Jahrzehnte Bestand hat. Was Art Brut großartig macht, ist nicht der Einfallsreichtum, sondern die Besessenheit, die Beharrlichkeit, der Umfang. Es ist das, was passiert, wenn jemand dreißig Jahre lang jeden Tag eine Sache tut.
Dass das persönlichste Material das universellste ist. Keines dieser Werke versucht mit irgendjemandem zu kommunizieren und sie alle treffen uns. Cameron wiederholt das Gleiche mit anderen Worten: Schreiben Sie, was Sie niemandem beibringen würden, und Sie werden feststellen, dass es jeder versteht. Siehe wie man Kunst ohne Angst veröffentlicht.
Was für eine Art Brut no lehrt, dass man leiden muss. Die Lehre, die die Kultur aus diesen Werken gezogen hat – dass man gebrochen sein muss, um es zu sehen – ist genau das Gegenteil von dem, was die Biografien zeigen, nämlich gebrochene Menschen, die mit dem, was ihnen übrig blieb, tun, was sie konnten.
Die ethische Frage, die fast nie gestellt wird
Im Jahr 2007 wurde eine Zeichnung von Martín Ramírez in einem Auktionshaus für einen sechsstelligen Betrag versteigert. Ramírez starb 1963 in einem kalifornischen Staatskrankenhaus. Er hat nie etwas berechnet.
Der Außenseiter-Kunstkreis bewegt Geld, und die Zustimmung seiner Urheber ist in vielen Fällen unmöglich festzustellen. Gezeigt werden Werke von Menschen, die nicht wussten, dass sie Kunst machen, auf dem Plakat sind klinische Biografien abgedruckt, dazu die Diagnose, die im Leben ein Stigma war und im Raum zum Verkaufsargument geworden ist.
Ich sage nicht, dass sie nicht entlarvt werden sollten. Ich sage, dass das Etikett „Schizophrenie“, wenn man es neben ein Gemälde setzt, etwas bewirkt, was es neben dem Gemälde eines gesunden Malers nicht tun würde: Es verwandelt das Werk in ein Symptom und den Betrachter in einen Arzt. Und dieser Look, den Prinzhorn vor einem Jahrhundert zu vermeiden versuchte, bleibt der Standard-Look.
Der Beweis liegt in der Art und Weise, wie wir sprechen. Von einem ausgebildeten Maler sagen wir, dass sein Werk visionär ist. Wir sagen über Wölfli, dass seine Arbeit wahnsinnig ist. Oftmals sehen wir das gleiche Bild.
Wenn Sie mit einer Diagnose leben und etwas schaffen möchten
An diesem Punkt geht es in diesem Artikel nicht um Ästhetik. Fünf praktische Beobachtungen, von denen keine Ihr Team für psychische Gesundheit ersetzen kann.
An erster Stelle steht die Behandlung. Antipsychotika werden Ihnen nicht die Fantasie rauben; psychotische Episoden, ja, und sie zerstören auch die Kontinuität, die jede Arbeit braucht. Wenn Sie eine Trägheit oder Verlangsamung bemerken, sagen Sie es Ihrem Psychiater: Dies ist eine klinische Information, keine Maut.
Struktur ist Ihr Verbündeter. Eine feste Stunde, ein Notizbuch, ein kleines Honorar. Die gleiche Regelmäßigkeit, die das Leben stabilisiert, erhält die Arbeit aufrecht. Es ist buchstäblich das Design des Künstlerpfades.
Seien Sie vorsichtig bei Isolationsübungen. Woche vier der Methode schlägt einen Leseentzug vor. Für manche Menschen ist es befreiend; Für andere ist sensorische Leere keine gute Idee. Überprüfen Sie es vorher.
Benutzen Sie Kunst nicht als Beweis für irgendetwas. Weder, dass es dir gut geht, noch, dass du krank bist, noch, dass sich die Krankheit gelohnt hat. Das Notizbuch ist ein Ort zum Ablegen von Dingen, kein Gericht.
Suchen Sie nach Gesellschaft. Isolation ist sowohl ein Symptom als auch ein Risikofaktor. Kunstworkshops für psychische Gesundheit gibt es, sie funktionieren, und sie sind keine füllende Ergotherapie: Sie sind einer der wenigen Orte, an denen die Diagnose nicht die erste Zeile der Präsentation ist.
Und wenn es Ihnen schwerfällt oder Ihnen die Ideen Angst machen, sprechen Sie noch heute mit jemandem: Ihrem Arzt, Ihrem Team, einer Krisen-Hotline. Wenn Sie mich fragen, kann ich Ihnen bei der Suche nach Ressourcen in Ihrem Land helfen. Dies ist ein sensibles Thema, und Sie müssen es nicht alleine durchgehen.
ein letztes Bild
In der Klinik Waldau erhielt Wölfli jede Woche ein Kontingent Buntstifte. Als es ihm früh ausging, zeichnete er weiter mit allem, was er hatte. Als ihm das Papier ausging, schrieb er auf Packpapier, auf Zeitungen und über seine eigenen Zeichnungen. Fünfunddreißig Jahre lang, ohne Galeristen, ohne Leser, ohne die Erwartung, dass es irgendjemandem etwas ausmacht.
Machen wir ihn nicht zum Heiligen. Er war in mehrfacher Hinsicht ein Mann mit einer schrecklichen Biografie. Aber diese Geste – die heutige Seite heute mit dem zu erstellen, was es gibt – ist genau die Geste, die Julia Cameron um sieben Uhr morgens von einem Buchhalter in Cuenca verlangt. Es besteht keine Notwendigkeit für Krankheit, Gefangenschaft oder Genie.
Das Notizbuch wird gebraucht, und zwar morgen.
Um fortzufahren: Bipolarität und Kreativität demontiert den anderen großen Mythos des gequälten Genies, und dieser Artikel zieht die Grenze zwischen einer kreativen Praxis und einer Behandlung.